Кто такой Андреа Креспи, художник, привезший голографическую медузу в Венецию на Биеннале

Голографическая медуза, витрина, бывшая венецианская церковь: в инсталляции Thetis присутствуют все элементы для создания эстетического парадокса. Вопрос в том, достаточно ли этой красоты или она способна породить нечто большее: размышление о том, как сегодня мы превращаем живое в образ, символ — в опыт, а технологию — в явление. С помощью этой инсталляции, представленной в рамках комплексного проекта As Above, So Below на 61-й Венецианской биеннале, Андреа Креспи (Милан, 1992) помещает в бывшую церковь Святых Космы и Дамиана на Джудекке существо, зависшее между биологией, мифом и технологическим устройством. Но Thetis — это прежде всего важный шаг, позволяющий интерпретировать его творчество вне привычных ярлыков: цифровое искусство, NFT, физическое-цифровое (phygital), бренд, ИИ.

Кто такой художник Андреа Креспи

Миланец, тридцати четырех лет, Креспи создал узнаваемый творческий подход, объединяющий физические и цифровые медиа, оптические линии, переосмысленные с помощью цифры классические фигуры и мгновенно узнаваемый визуальный почерк. Его путь пролегал от Миланской Триеннале до Художественного музея CAFA в Пекине, от Таймс-сквер до Art Dubai. С инсталляцией Thetis он делает иной шаг: это не персональная выставка, а одна-единственная работа в пространстве, насыщенном памятью. Только медуза и тишина церкви.

«Я взял в руки iPad раньше, чем кисть», — рассказывает он. Но не любит ярлыков. «Я занимался цифровым искусством еще до появления NFT. Когда наступила эта эпоха, я был молодым художником, который хотел посвятить искусству свою жизнь. Я нашел в этой неизведанной территории «голубой океан». Пространство, чтобы занять свою нишу, обрести узнаваемость, ярлык. Потом этот ярлык стал мне тесен, как и любому другому. Я не считаю себя NFT-художником. Это часть моего опыта, но это не то, кто я есть».

Интервью с Андреа Креспи: инсталляция в Венеции

Поверхность медузы имеет два отчетливых регистра: оптическую текстуру головы и неровность щупалец. Разрыв или преемственность?
Компонент линий, текстуры, видимого и невидимого лица — это узнаваемый элемент моей поэтики, но он также имеет концептуальные и повествовательные последствия: он усиливает смысл произведения, выходящий за рамки простого эффекта движущейся медузы в витрине. Я не стремился к преемственности. Я хотел, чтобы работа содержала оба аспекта: цифровой и живой, без поглощения одного другим.

Фетида знает судьбу Ахилла, но не может ее изменить. Она знает, но не действует. В то время, когда от искусства требуют воздействия, почему выбрана фигура, которая хранит, а не вмешивается?
Это метафорический выбор. Я много черпаю из греко-римской классической традиции: эти фигуры становятся архетипами, символами. Я читаю «Человек и его символы» Юнга, и это чтение еще больше укрепило во мне Фетиду как образ глубокой бездны, трансформации, тайны. Но работа была задумана за несколько месяцев до этого: мне интересно, чтобы со временем она могла обогащаться новыми смыслами. Как бы мы ни старались заглянуть за пределы неизведанного, будущее загадочно. Мир меняется каждый день. Мы видели пандемии, войны. Фетида заключает тайну в нашу жизнь.

Ответственность художника при использовании ИИ

Искусственный интеллект сделал визуальное производство доступным каждому. Куда смещается ответственность художника?
С помощью трех ключевых слов вы просите ChatGPT сгенерировать медузу, и он ее генерирует. По этому поводу нет споров. Но этот запрос относится к изображению; а искусство — это не изображение. Символ не представляет объект, который вы видите: он представляет целое образное пространство, которое часто невозможно понять без ключа к его прочтению. Этимологически, символ — это то, что объединяет. Ответственность художника состоит в том, чтобы успешно донести свою идею, задевая струны, которые не затрагивают другие виды коммуникации. Одна моя посетительница на выставке, размышляя над моей работой, сказала мне: вы смогли превратить науку в поэзию. Вот. Искусство всегда было средством коммуникации от древности до наших дней. Генерация изображения — это не оно.

Цифровая красота все еще является критической областью или рискует стать быстро исчерпаемой категорией?
Великие произведения прошлого остаются знаковыми также из-за проблемы дефицита: у вас есть «Весна» Боттичелли, «Мона Лиза», других таких нет. В цифровом мире дефицита не существует. Сегодня «Мона Лиза» существует больше в цифровой, чем в физической форме: почти никто не видит ее каждый день вживую, но все ее узнают. Миф строится через коммуникацию, сегодня — также цифровую. В этом смысле классика не неприкосновенна: она продолжает жить, в том числе потому что распространяется. Рынок, сообщество, художник, время и художественная система — все это способствует превращению произведения в икону.

Вас считают «фиджитал» художником. Расскажите, что это такое, не превращая в слоган...
Это отражение того, что происходит. Технология гуманизируется, а человек оцифровывается. В моей практике это не отдельные миры: они взаимно питают друг друга. Я связываю холст с голограммой, которая связана с цифровым произведением, которое, в свою очередь, связано со скульптурой. Фиджитал — это не концепция: физическое и цифровое — это просто реальность, в которой мы живем.

Узнаваемый стиль, бренд, рынок: где проходит граница?
Все великие художники сегодня — это бренды. Я работаю над тем, чтобы превратить свою работу в бренд. Но бренд не означает стать чисто коммерческим. Это означает создать узнаваемость, в которой все еще присутствует поэзия. Потому что если все сводится к числам, просмотрам, продажам, вы превращаетесь в бухгалтера. Вы теряете этот заряд, и люди это чувствуют. Технология помогает мне не попасть в эту ловушку: она меняется с невероятной скоростью, постоянно стимулируя эксперименты. Я не свожусь к повторению одного и того же сюжета. Среда меняется, подпись остается. Риск в том, что это может стать золотой клеткой. Нужно заметить это раньше.

Вы не любите ярлыки, вы в постоянной эволюции: будете ли вы продолжать менять медиум?
Именно в этом вызов. Я продвигаю концепцию иконизации и узнаваемости, но должен избегать того, чтобы это стало механическим. Этим летом я думаю о проекте с эстетикой, отличной от линий, новой территорией. Как это было со скульптурой: она стимулировала меня, потому что мне пришлось переводить что-то двухмерное в трехмерное. Это утомительно. В этом и суть. Когда перестает быть утомительным, вы просто повторяете.

Алессия де Антониис

Андреа Креспи, Thetis, в рамках проекта As Above, So Below
До 8 июня 2026 года
One Ocean Foundation / ZEITGEIST19
Бывшая церковь Святых Космы и Дамиана
Остров Джудекка, Венеция