Интервью с художницей из завораживающего павильона Новой Зеландии на Биеннале искусства 2026

Беседа с Фионой Пардингтон (Девонпорт, 1961) — это погружение в художественную практику, которая объединяет точность, память и глубокий символизм, избегая при этом поверхностных эффектов. Тон ее разговора открытый, почти доверительный, но при этом ее работы раскрывают многолетние исследования, способные объединять фотографию, культуру маори, естественную историю и духовное измерение. Проект, с которым она представляет Новую Зеландию на Биеннале искусства 2026 года, рождается именно из этого равновесия: строгий метод, который превращает изображение во взаимосвязь, память и свидетельство. В работах Фионы Пардингтон Биеннале становится не местом для громких национальных деклараций, а возможностью предложить иную идею образа: более медленную, многослойную, близкую к темам утраты, памяти и трансформации. В этом смысле павильон Новой Зеландии приобретает особое значение. Он не стремится к мгновенному эффекту, а предлагает глубокое переживание, в котором естественная история, культура маори и колониальная память вступают во взаимодействие. Именно здесь работы Пардингтон обретают свою уникальную силу.

Интервью с художницей Фионой Пардингтон

Как вы получили приглашение на Биеннале?
Это был абсолютный сюрприз. В прошлом Новая Зеландия иногда просила художников подавать заявки, но на этот раз, после некоторого отсутствия в Венеции, была принята иная модель отбора, разработанная совместно с галереей-партнером и Художественной галереей Крайстчерча. Они видели мою предыдущую выставку, Te taha o te rangi, что на те рео маори означает «горизонт» или «край неба». Этот проект также был связан с музейной культурой Новой Зеландии — областью, с которой мои работы часто взаимодействуют, даже в ее менее очевидных аспектах. Увидев ту выставку, которая затем была показана в Окленде и Австралии, они приняли решение сотрудничать со мной. Я была просто дома, выгуливала собаку, вернулась и получила звонок от своего галериста. Я действительно этого не ожидала.

Какой опыт получит публика, войдя в павильон Новой Зеландии в Венеции?
Надеюсь, что публика сможет пережить почти духовный опыт. Там будет звук и очень обволакивающее, почти утробное пространство. Изображенные птицы будут словно появляться из стен, как призраки. Это не просто птицы: они посланники, переходные присутствия, способные что-то передавать и в то же время принимать. Работа глубоко укоренена в культуре Нгаи Таху, но также затрагивает экологию и вымирание. Я занимаюсь этими темами десятилетиями, задолго до того, как они стали центральными в мире искусства. Надеюсь, что публика уловит красоту, духовность, скорбь и связь между разными мирами.

Одно из самых сильных ядер проекта связано с птицей Такахе. Какую историю несет в себе этот экземпляр?
Эта птица была убита в 1851 году в Фьордленде и доставлена в Британский музей, где ее чучело было изготовлено. Кем бы ни был таксидермист, он проделал выдающуюся работу, особенно учитывая, что он никогда раньше не видел Такахе. Это был всего лишь второй когда-либо собранный экземпляр. Это молодая особь, и спустя более века она вернулась в Новую Зеландию. Сегодня она находится в музее Те Папа. Фотографировать ее было необыкновенным опытом. У нее было очень сильное присутствие, настоящая харизма. Долгое время считалось, что Такахе вымерла, пока ее вновь не обнаружили в Фьордленде в сороковых годах, и сегодня популяция этого вида снова растет. Цвета на моей фотографии не совпадают в точности с теми, как экземпляр выглядит сегодня. Я переработала их, изучая живых птиц, чтобы хотя бы частично восстановить ту хроматическую жизненность, которую время обычно стирает, потому что спустя много десятилетий музейные экземпляры становятся сухими, пыльными, обедненными. Я могу добавить перья, смягчить их визуальное присутствие, восстановить глаза. Для меня, однако, это не просто вид. Я фотографирую особь, почти человека, и, по сути, также ее историю.

Павильон Новой Зеландии на Венецианской биеннале 2026

В проект также входит сильный церемониальный и звуковой компонент, связанный с культурой маори. Насколько это важно для вас?
Очень важно. Мои родственники-маори приехали в Венецию. Моя кузина Хана О'Реган написала для книги и специально для проекта сочинила каракиа и ваиата, то есть ритуальные призывы и традиционные песни. Мы также записали маорийские музыкальные инструменты, которые входят в экспозицию как неотъемлемая часть звукового опыта. Мы также продумали перформансы, пение и реальное церемониальное присутствие. Для меня это очень трогательный аспект: когда я слышу пение, я всегда растрогана. В нашей культуре то, как мы принимаем посетителей, имеет глубокое значение. Поэтому церемониальное измерение не является второстепенным: это существенная часть проекта.

Как итальянца, меня поразила отсылка к Данте и южному полушарию. Как она появилась?
Два человека сыграли особенно важную роль в развитии этого аспекта работы. Один из них — мой брат, который помог мне работать с цветом. Другой — мой друг Эндрю Пол Вуд, который годами пишет о моей работе. Мы были очарованы «Чистилищем» Данте, в частности, первой песней, где он описывает небо южного полушария и те четыре звезды, невидимые с севера. Для нас, в Аотеароа (Маори название Новой Зеландии), этот отрывок неизбежно напоминает о Южном Кресте. Эндрю написал для книги эссе, посвященное этой теме. Нас также интересовали рисунки Уильяма Блейка, которые изображали это созвездие. Все это начало переплетаться. Для меня Данте — фигура, к которой я испытываю глубокое уважение. Я приезжаю в Италию, в Венецию, как гостья, и хотела отдать ему дань уважения. Это был способ сказать итальянцам: я вхожу в ваш мир с восхищением и приношу с собой своих птиц, как посетителей. В культуре маори манухири, то есть гости, имеют глубокое значение. Ссылка на Данте была для меня способом почтить это отношение.

Вы называете себя фотографом, но в вашей работе явно присутствует более широкое художественное измерение. Как вы воспринимаете эту позицию в современном новозеландском контексте?
Я фотограф, но я также художница. Когда я училась в восьмидесятых годах, решение быть фотографом и одновременно художницей было почти равносильно подписанию смертного приговора. В художественной школе тех, кто работал с фотографией, часто воспринимали как неудавшихся живописцев или скульпторов. Нам, по сути, не разрешалось называть себя художниками. Однако у меня был доступ к необыкновенной библиотеке, полной отличных книг по фотографии, и я любила как историю фотографии, так и живопись. Я всегда чувствовала, что фотография станет чем-то иным, нежели тем, чем она была тогда в Новой Зеландии. Я училась как аналоговый фотограф, и именно там лежат мои профессиональные корни, но концептуально я мыслю как художница. Моя работа рождается из глубокого исследования и сложного материала. Так что да, я абсолютно считаю себя художницей, работающей через фотографию.